kaiyun开云网站 Kaiyun开云当地时间3月10日晚，2024年第96届奥斯卡颁奖典礼落下帷幕，由诺兰执导的《奥本海默》斩获最佳影片、最佳导演等7项大奖，成为最大赢家，当晚，好莱坞杜比剧院的舞台也是星光熠熠，精彩纷呈。

　　本次奥斯卡颁奖礼的舞台灵感来自于安藤忠雄与奥斯卡·尼迈耶，简洁而充满力量感的弧线装饰与往届布景风格迥然不同，将所有的注意力都吸引到前边的明星身上。

　　电影、舞台与建筑，它们从诞生起就宛如兄弟，艺术手法相互交织，美学感官共通共融。

　　今年的奥斯卡舞台布景由阿拉娜·比林斯利（Alana Billingsley）和米斯蒂·巴克利（Misty Buckley）联手制作设计，从构思设计到最终呈现历时9个月，旨在创建一个“吸引人们进入的现代广场”。

　　这是一个宏伟而又私密的空间。线条的纹理、柔和的石膏质地与温暖的米白色，都在将观众的注意力吸引到舞台中心的人身上。

　　典礼由开场、表演、致敬、各大奖项颁布等不同部分组成，舞台场景也会随着功能变换色彩与组合。比如在颁最佳服装设计奖时，背景就出现了形似壁龛的橱窗，展示本次提名电影中的精彩造型。

　　据两位设计师介绍，本次舞台宽大的、如帷幕一般的曲线设计灵感来源于建筑大师安藤忠雄与奥斯卡·尼迈耶。

　　日本建筑大师安藤忠雄是1995年普利兹克奖得主，他开创了有着冷峻灰色调的清水混凝土美学—— 材料以本色示人，简单的几何图案就将光与影的艺术表达到了极致，宽阔宏大，纯净庄严。

　　在日本大阪市25公里外的茨木市，矗立着安藤忠雄最有代表性的作品——光之教堂。光之教堂体现了安藤在自然与建筑间构建的哲学框架：光可以像混凝土结构般定义并创造新的空间感。

　　光之教堂的混凝土没有一丝与建造过程无关的装饰，灰白的墙面，暗色的座椅，和仿佛来自天空的神圣十字，让这座教堂有了一种独特的肃静与庄严，彰显了安藤的极简主义美学。

　　在我所有的作品中，光是一个尤为重要的控制因素。我所创造的封闭空间大多来自厚重的混凝土墙，希望在社会中为个人创造立足之地。当城市环境的外部因素需要没有开口的墙体时，内部空间就必须尤其的充实且满足。

　　如果光之教堂平直的光影是秩序的力量，那么兵库县立美术馆和广东和美术馆，就是安藤忠雄对曲线混凝土韵律之美的探索。

　　安藤忠雄对本次奥斯卡舞台设计的启迪，更多来自材料与质感。清水混凝土自身没有温度与情感，但它会让空间更加强烈与纯粹。在舞台上，两位设计师撷取了这种纯粹，让布景呈现出如古典建筑切割石材般的质感，不加修饰，更显庄严。

　　巴西建筑师奥斯卡·尼迈耶是拉丁美洲现代主义建筑的倡导者，被誉为“建筑界的毕加索”。他摒弃了现代主义前辈们倡导的立方体建筑，转而用曲线给钢筋混凝土带来轻盈感，创造了“混凝土曲线美学”。

　　我对直角和直线不感兴趣，它们看上去坚硬无比，充满了人工痕迹。相反，我被那些自由流淌的、性感的曲线所吸引。

　　在尼迈耶的笔下，无论是博物馆、教堂、艺术馆还是学校，它们看起来与其说是建筑，不如说是雕塑。

　　本次奥斯卡舞台灵动的曲线就致敬了尼迈耶的建筑风格，与曲线建筑“本身即是主角”不同，向内弯曲、如帷幕拉开一般的布景，更容易引导观众将注意力放在舞台中心的人身上，简洁有力，不喧宾夺主。

　　与今年简洁纯粹相比，装饰派（Art Deco）繁复奢华的风格几乎垄断了过往十年的颁奖典礼布景。

　　Art Deco艺术风格演变自十九世纪末的Art Nouveau运动，常用纯粹装饰性的线条表现美感，如扇形辐射状的太阳光、齿轮或流线型线条。色彩运用方面以明亮且对比强烈的的颜色来彩绘，具有强烈的装饰意图。

　　2022年的奥斯卡舞台由David Korins操刀，造型采用漩涡美学，通过圆弧互相串联而成，蓝白螺旋构建出了通往未来的科幻之门。

　　悬挂着9万颗施华洛世奇水晶的巨型帷幕能够捕捉、反射美丽的光线，超过一英里的灯带围绕在水晶周围，将舞台打造成璀璨又充满未来主义风格的视线焦点。

　　2013年至2018年的奥斯卡舞台都出自同一人之手 —— Derek Mclane。从引进3D全息投影技术，创造水晶世界，到致敬经典电影，Derk为奥斯卡舞台设计史创造了众多个首次。

　　2014年，极繁主义、工业风是当届舞台设计的重要元素，Derk运用金色、蓝色、红色三种色彩为主的钨丝灯泡，搭配金属亮片，塑造工业怀旧感，而当场更为炫酷的是他在现场装点的大小透明小金人。

　　2017年，复古与未来同在，灵感源于1935年版歌舞片《礼帽》，Derek以采用水晶和金属组合而成的几何体作为舞台背景，致敬当年最佳影片种子选手《爱乐之城》。

　　2018年的奥斯卡主题为“光和反射”，Derek通过使用4500万块大小形状不一，质地晶莹剔透水晶打造了一个酷似拱门的水晶装置，根据获奖影片的不同时代、地区的背景，通过3D全息投影技术切换至适配场景。

　　Art Deco 虽然是现代装饰艺术上的运动，但也与建筑领域密不可分。Art Deco的建筑风格在其鼎盛时期成为了一种象征繁荣和现代性的表现，在世界各地的城市中留下了标志性建筑，如纽约的洛克菲勒中心和巴黎的香榭丽舍剧院。如今，Art Deco风格的建筑仍然具有独特的吸引力。

　　建筑和舞台设计，都存在着操纵和转变空间以达到特定目的的共同特点，它们横跨在艺术和技术之间，试图达到审美和实际的结合，不少舞台设计大师都有着建筑背景。

　　出生于哈萨克斯坦的乔治·西平就是一位建筑出身的国际舞美大师。他17岁考入莫斯科建筑学院，却在1981年辞掉了建筑师工作，申请进入纽约大学蒂施艺术学院攻读舞台美术设计研究生。80年代中期，西平正式开始了他的舞台设计生涯，其设计的《尼伯龙根的指环》《战争与和平》《俄狄浦斯王》《唐璜》等剧目，已经成为了当代歌剧舞台的经典作品。

　　乔治·西平的作品带有强烈的体积感，这无疑来自他的建筑学背景。他重视参考所有艺术表现手段与不同时期的历史元素，但他认为最重要的元素无疑还是表演空间。

　　随着新技术的发展，越来越多的舞台开始依赖投影及多媒体，但乔治·西平认为这是一条捷径，不用成为舞台的主导。“这些手段归根结底是一个平面的东西......剧场中，没有比空间更有力量的形式了，我们应该更好地去表现空间中真实的材质、真实的气味、真实的生命，让观众在剧场中有真实的视听感官体验。”

　　西平所理解的舞台设计是一门复杂的、综合了各种体裁于一身的、具有创造性的艺术形式。舞台上可被感知的三维立体空间环境，被即将发生的表演赋予了神秘和意蕴的力量。他用建筑、雕塑、绘画、诗歌、音乐来塑造作品，但最重要的是，传达给观众自由大胆的想象力。

　　除了舞台设计，西平也涉足影视设计。他的雕塑被特邀参加了2002年威尼斯双年展，2014年索契冬奥会的开幕式与闭幕式的联合导演、脚本创意、视觉总监都是由希平担任。

　　从古至今，舞台与建筑一直有着千丝万缕的联系。早在古希腊与古罗马，人们便发挥聪明才智，建立起雄伟的圆形剧场，为斗兽或角斗等表演提供了空间。圆形剧场源远流长，至今已逐渐演变为重要的建筑原型。

　　进入文艺复兴时期，透视法的发明与建筑科学的繁荣更推动了现代化剧院的形成，15-16世纪，镜框式舞台在意大利应运而生。安德烈亚·帕拉迪奥(Andrea Palladio)是意大利杰出的建筑大师，他一生以建筑和舞台设计为主业，与文森佐·斯卡莫奇（Vincenzo Scamozzi）合作设计的奥林匹克剧场于1585年在意大利维琴察落成。

　　在奥林匹克剧场的设计中，帕拉迪奥通过设置在舞台后方的一组描绘城市巷道的楔形空间，诱发出强迫透视的视觉效果，以强化观演者对空间的视觉感知力，并以此方式打造一座以舞台为中心的“理想城”。

　　自奥林匹克剧场后，镜框式舞台这一现今应用最广泛的舞台类型逐渐发展壮大。以透视手法加大进深，在扁平的舞台上制造出更加幽深、广阔的感觉，是帕拉迪奥将建筑与舞台糅合的一大创举。

　　进入现代，戏剧类型和观演形式都日趋丰富，进而演变出伸展式舞、圆形舞台、黑匣子剧场多种建构。

　　伸展式舞台呈半围合式结构，舞台的一部分向前突出伸入观众席中。伸展式舞台多适用于歌舞表演、时装展示等场合，能够让观众从不同角度领略到表演的魅力。

　　圆形舞台即将舞台布置在空间中央，使演出区域作为空间的焦点，进一步提高观众的参与度。圆形舞台的设置对戏剧也提出了更高要求，演员的表演需要打破“第四堵墙”，迎接来自四面八方的目光。

　　黑匣子剧场起源于小型实验剧场，甚至可以与展览馆、美术馆整合设立。随着实验性剧目的普及，越来越多的大剧院中都设立了这种剧场。黑匣子剧场没有固定的舞台布置，以灵活性著称，观众席与舞台的边界没有清晰地划分，观演关系可随着不同的演出形式自然形成。

　　在台北艺术中心的构想中，荷兰建筑事务所OMA将黑匣子剧场特征发挥至最大，让主剧场和多功能剧场相连并组合成“超级剧场”，以突破场地的限制，上演更多剧目。

　　随着各种表演、戏剧、歌舞剧向大众化方向发展，舞台设计的范围越来越广阔自由，层出不穷的新技术也让舞美效果更加梦幻。但对于现代社会来说，舞台要跟电影、电视、网络竞争，它更需要创造一些奇妙的惊喜，满足观众进剧场的视听需求。

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