自《Stranger Things》（怪奇物语）上线以来，无论是哪一部都引起热烈反响，是美国当之无愧的国民剧，其反映着美国精神，亦是世界了解美国集体意识的一个窗户。其舞台衍生剧《StangerThings：The First Shadow》（怪奇物语：第一道阴影》也在去年12月份于伦敦西区凤凰剧院全球首演。

　　《怪奇物语：第一道阴影》是凯特·特雷弗里根据达弗兄弟、杰克·索恩和特雷弗里的原创故事改编的戏剧，是电视剧《怪奇物语》事件的前传。该作品将戏剧故事讲述和舞台艺术提升到一个全新的维度，这场扣人心弦的新冒险将观众带回《怪奇物语》故事的开头，并可能掌握揭开谜底的关键信息。

　　霍金斯，1959：一个普通的小镇，也有普通的忧虑。年轻的吉姆·霍珀的车无法启动，鲍勃·纽比的妹妹不会认真对待他的广播节目，而乔伊斯·马尔多纳多只想毕业并离开小镇。当新生亨利·克里尔 (Henry Creel)到来时，他的家人发现新的开始并不那么容易……而且过去的阴影影响深远。

　　神秘感十足以及精湛的表演获得了广大观众的认可，除此之外，灵活多变的舞台布景也是一大看点。

　　布景设计师米里亚姆·布瑟 (Miriam Buether) 负责将该剧的外观转化为戏剧舞台，将20世纪50年代的美学与该剧多彩的80年代风格结合是一项挑战。她们参考许多当时的照片及电影，并浏览各个场景，并根据地点的不同创建情绪板。“我们进行了大量的研究，我们必须创造五十年代的世界，但仍然在环境和服装中赋予八十年代的乐趣。”最终，设计师将场景设置在月球上。

　　在Stephen Daldry和Justin Martin的共同指导下，速度、动作、规模，一场又一场的完美的戏剧表演以及精湛的技巧呈现。日常现实变成了令人瞠目结舌的另一个世界，这些切换发生在几秒钟内，在 Miriam Buether 灵活的布景内，演员在变幻莫测的灯光与奇幻的视频以及幻象中发生变化。

　　不同于电视剧《怪奇物语》依赖电脑特效和实际效果，舞台剧的一切都必须是线 Productions 为该剧目制作视频和视觉效果，与幻象和布景设计相结合，打造《怪奇物语》的超现实“怪奇宇宙”。视觉设计师Jamie Harrison说:“任何可以在电影中实现的东西都可以在戏剧中实现。”

　　剧目服装由设计师 Brigitte Reiffenstuel，将五十年代末美国风格的美感融入到服装中，同时兼顾现代感，充满活力的色彩与设计反映着角色的性格，以此达到观众与演员之间的共鸣。

　　瘟疫很常见，但当瘟疫袭击你时，你很难相信它们的存在。瘟疫不是为人类量身定做的，所以人们说它不真实，是一场很快就会过去的噩梦。但它并不总是消失，从一个噩梦到下一个噩梦，人们都会死去。

　　《Die Pest》是根据加缪的同名小说改编的舞台剧，它更深层次地探讨了人类在极端情况下的生存挑战和道德抉择。

　　舞台剧《Die Pest》不仅仅呈现了一个故事，它引发观众对生命意义和个体责任的深刻反思。这种独特的艺术表现形式为加缪的文学世界带来了全新的解读和感受，使得这部作品的主题更加深远和普世。

　　舞美设计法比安·温德林在威斯巴登州立剧院里打造了一间诡异的小房子。作为唯一演员的Matze Vogel站在这间朴素的小房子里，房子像仓鼠轮子一样嵌在墙上，但缓慢且几乎不停地旋转。仿佛被困在滚石之中。

　　通过简约而强烈的舞美设计，以暗色调和极简的布景，成功营造出压抑氛围。灯光和阴影的巧妙运用增添了戏剧性，使观众仿佛置身于那个不安与绝望并存的时空，感受到剧中人物的孤独和挣扎。

　　极端天气频发，夏天越发炎热，“很快就会变得太热”。这是JG Ballard于1962年写的气候小说《淹没的世界》的开场白，这也是去年Brisbane Festival（布里斯班节）重点作品《Salamander》（火蜥蜴）灵感来源之一。

　　《火蜥蜴》是一部非凡的戏剧作品，涵盖了多种艺术形式，包括雕塑与设计、戏剧和叙事、音乐和舞蹈等内容。它是国际艺术家、编舞家、导演Maxine Doyle和当代雕塑设计师Es Devlin的创意。她们构思了这部作品，酝酿了三年多，并在布里斯班与当地创意团队共同创作，凝结成这一美感与警醒哲理兼备的艺术作品。

　　该剧目作为一件特定场地的作品在一个大型的仓库中上演。观众在进入场地时就被邀请参与其中，他们分成小组，穿过一系列蜿蜒狭窄、光线昏暗的通道，伴随着着怪异的未来派音乐声景，到达一个巨大的洞穴空间。

　　在第一幕中，观众站在三面广场的两层上。前面是德夫林构思精妙的建筑装置——一个透明、明亮的有机玻璃构成的迷宫，由小隔间、通道和平台组成，在广阔的黑暗空间中反射光芒，吸引了观众的目光。这件神奇而大胆的创作是围绕雕塑设计的护城河或沼泽。

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　　迷宫中，衣着暴露的身体不断出现，然后又消失在地面的黑暗空间中，他们的身体有节奏地跳动，表现出不同程度的痛苦和紧迫感。他们的动作和旁白揭示了人类被困在一个因气温、湿度和海平面上升而变得无法居住的狭小空间内。引人注目的舞台画面伴随着作曲家 Rachael Dease机械刺耳的音乐设计，有力地表达了这部作品的核心理念。

　　一些人类冒险走出去，开始变成两栖动物；蛙人以及穿着鲜艳泳衣的人类在水深处穿行。舞者向人们展示了令人印象深刻的青蛙或蜥蜴的身体特征。火蜥蜴的亮黄色泳衣是服装设计师布鲁斯·麦金文 (Bruce McKinven) 大胆色彩宣言中的第一款。

　　与此同时，在这个支离破碎的反乌托邦世界中，立方体迷宫中剩余的舞者陷入了疯狂的狂欢，无视了绿衣蝾螈出现时外界的求助。以庆祝的红色服装和葡萄酒为焦点，最终被血红色的光芒所淹没。第二幕开启，将场地打开到有机玻璃立方体之外的另一个世界，观众被引导到围绕着圆台的半圆形座位，圆台上放置着一张四米长的鲜红色桌子——这是德夫林的另一个引人入胜的设计。

　　第二幕灵感来源于《圣经》——最后的晚餐。人类试图从圆台周围的泥土中拯救残存的生命，同时开始了一场绝望的求生之旅。身着红衣的舞者们举行了一场狂热的仪式，包括以桌子为轴旋转，并将其作为生命线和争取自由的手段。

　　当雨开始倾盆而下时，威尔第的《安魂曲》中不朽的《Dies Irae》开始演奏，这或许预示着世界末日的结局以及复兴和生存。舞台一片漆黑，只剩下幸存的绿色蝾螈上的一盏灯，原来的立方体被照亮，充满了植物，这是一个动人而凄美的结局。

　　独特壮观的表演空间辅以Ben Hughes精心设计的灯光，从色彩鲜艳的有机玻璃立方体到巧妙照亮的地板，再到沼泽的阴沉气氛。第二幕中雨中的红色灯光创造了一幅美妙的舞台画面，以及最后对立方体的照明，极具美感。

　　从对迷宫外水世界的尝试性探索，到世界末日的派对，以及两栖动物的出现，舞者们以一种松散地遵循巴拉德小说中的叙事线索的方式与《淹没的世界》互动。尽管《火蜥蜴》的主题是世界末日和毁灭，但最终给了未来一线希望。

　　说起音乐剧，人们必然避不开“百老汇”这个充满艺术与戏剧的发扬地。今天我们来聊聊堪称百老汇一场豪赌的爆款音乐剧——《Here Lies Love》！

　　耗资2200万美元的《Here Lies Love》（爱在此处）音乐剧，其投入与风险远远高于普通音乐剧，将百老汇剧院变成迪斯科舞厅，这一奇妙布置将无数观众吸引。

　　《Here Lies Love》是由格莱美奖、托尼奖和奥斯卡奖得主David Byrne（大卫·伯恩）和格莱美奖得主Fatboy Slim（胖子·斯利姆）作曲，David Byrne作词制作而成的传记音乐剧，以伯恩和斯利姆的概念音乐专辑为基础，而专辑又以伯恩对菲律宾前“铁蝴蝶”Imelda Marcos（伊梅尔达·马科斯）的生活研究为基础。

　　该作品于2012年6月21日首次公开演出，讲述了讲述了菲律宾前伊梅尔达·马科斯惊人的权力崛起以及在丈夫Ferdinand Marcos费迪南德·马科斯）死后随后落入菲律宾人民权力革命手中的故事。

　　而2023年，该剧对剧情及舞台进行了修改，尤其是舞美方面由David Korins负责，他以《Here Lies Love》原本基调为核心对舞台进行了重新打造。

　　十年前，《Here Lies Love》在百老汇外小得多的公共剧院大受欢迎。身临其境的舞台表演对于大卫·伯恩的概念至关重要。他了解到伊梅尔达·马科斯是迪斯科迷——她是Studio 54夜店的常客，并在马拉干鄢宫安装了一个镜面球。于是，他写了一首节奏强劲、旋律优美的乐谱，邀请观众与她一起跳舞。“我把它想象成一个戏剧故事，一个在迪斯科舞厅和周围的小平台上讲述的音乐故事，”伯恩笑着说。

　　这也成为舞台设计师David Korins（大卫·科斯林）舞台设计的灵感来源。他使用63,000磅的钢材来构建新环境，以完全动态的方式将戏剧所要表达的理念展示在观众面前。

　　即使在百老汇公共剧院以及伦敦、西雅图等的演出都广受好评，科斯林与导演Alex Timbers（亚历克斯·廷伯斯）依旧认为《爱在此处》似乎并不适合在市中心演出，因为演出依赖于将剧院变成迪斯科舞厅。无论是将较小的空间改造成俱乐部，还是说服百老汇剧院老板允许进行重大结构改变都极为困难。

　　直到百老汇剧院开设了一个席位。它由舒伯特组织 (Shubert Organization) 所有，是百老汇最大的场馆之一，其规模如机库，可容纳 1,700 多个座位。它也有承接大型设计项目的历史，曾在 20 世纪 90 年代初安置过《西贡小姐》的直升机，并在 1974 年安置了尤金·李 (Eugene Lee) 为Candide的全方位版本设计的多层布景。

　　科林斯在过去三个月里对场馆进行了大规模检修，并调整原来的计划——拆除了 900 个天鹅绒座位，并组装支撑舞台和周围画廊的钢制上部结构，为舞台平台通过舞台拱门延伸到剧院的其他部分创造空间。

　　舞台中央是一个十字形T台，上方则是极具舞厅氛围的灯球。为保障观众的视觉体验，在舞池四周布置投影幕布，打造全方位舞台。

　　三百名观众将站在舞池中与演员一起移动，创造性地融入演出中，而其他观众则可以在剧院周围的座位上欣赏，他们设置了四种座位：地面、地面边座位、前夹层、后夹层，观众在不同的位置可以感受不一样的现场氛围。可以跟随演员一同起舞、欣赏到整个演出的全景等等，为观众提供独特的、沉浸式的观看体验。

　　设计师采用绚丽复古的霓虹灯光，灯光随情节的递进而发生相应变化，为情节增添氛围感，并让观众感觉到演出情绪的变化。通过节奏强劲的音乐与浪漫的视觉奇观，让观众走近Imelda Marcos传奇的一生。

　　为创造更具沉浸式的体验，该剧目卡司为百老汇首次全菲律宾演员阵容，菲裔演员演出属于菲律宾的故事，这才是“那味儿”！

　　关于捷克，我们很多人对捷克的了解可能只局限于蔡依林的《布拉格广场》。今天要聊的也与捷克音乐有关——Antonin Dvořák（安东尼·德沃夏克），捷克最重要的作曲人之一，也是世界上演出最多的捷克作曲家。

　　他的艺术是完全独特的古典主义与浪漫主义的综合体，丰富了世界的音乐创作，尤其是他的代表作第九交响曲“来自新世界”中深有体现。不仅如此，他创作的歌剧Rusalka、 The Jacobin 、Čert a Káča、Dimitrij和Armida等皆具有较高知名度，歌剧《 The Jacobin 》正是我们今天的主题。

　　相较于安东尼·德沃夏克的其他作品，《 The Jacobin 》并不常进行排练演出，尤其是在捷克之外的国家。这部充满民谣、农民、常见的人物和喜剧常用的简单叙事的作品一经演出便受到观众的喜爱。德沃夏克的音乐精美动人，超越了民间习语，融入了戏剧性的叙事，这也使得作品比人们所认为的更加成熟。

　　《 The Jacobin 》由Martin Glaser（马丁·格拉泽）执导，在布诺尔国家剧院上演。格拉泽通过歌剧的叙事及其人物与当代社会之间的联系，以直白的解读来推动叙事，融合捷克文化，成功搭建了一座跨越时间的桥梁，创造了一个色彩缤纷、充满活力的舞台。

　　故事分为三幕，讲述了一位贵族失踪儿子的归来故事，他在遥远的法国革命中加入了雅各宾派，以及傲慢的布尔格雷夫的求爱失败的故事。他巧妙地捕捉了每一个角色，并赋予他们血性十足的性格——特别是乡村教师本达的小夜曲是作曲家创作的最好的作品之一。正是德沃夏克音乐的力量、直接性、温暖和善意幽默，将这个感伤的故事提升到了捷克音乐真正的瑰宝行列。德沃夏克描绘了一幅启蒙时代近乎田园诗般的捷克小镇的迷人画卷，向捷克音乐和喜爱捷克音乐的人们致敬。

　　格拉泽说道：“奇怪的是，几乎每个与我谈起《雅各宾》的人都会联想到田园诗般的乡村，而实际上，这部歌剧的背景却是捷克的一个小镇。德沃夏克仿佛将捷克乡村的田园风光、绵延起伏的风景编织进了他的音乐中。当我年近五十时，我越来越强烈地感觉到自己与捷克乡村的和谐，这里起伏如画，有田野、林荫大道、草地和森林、溪流和河流，还有初夏时节老菩提树开花的村庄，空气中弥漫着甜美醉人的气息。”

　　帕维尔·博拉克（Pavel Borák）的舞台设计灵感就来源于这种起伏的地貌，他还充分利用了剧院的舞台技术，使舞台满活力。他们试图创造一种本质，一种抽象的形象，将现实世界与音乐中所听到的所有产生共鸣。

　　与导演直白的解读保持一致，布景方面他们决定采用一种能够反映农民日常生活节奏和该地区起伏地貌的舞台形式。摒弃了青山绿水、村庄洋圆顶教堂和鹅在村庄客栈外奔跑的想法，博拉克选择了波浪形、浅棕色、松树色的层叠舞台，塑造一种山峦起伏、农场遍布的视觉效果。舞台表面点缀着白色农舍、小屋和教堂的小模型。伯爵的庄园位于顶层。浅蓝色的背景营造出一个美丽夏日的意境。这似乎不怎么有趣的想法，在博拉克的巧思之下创造出非凡的舞台效果。层叠的舞台可以上下移动，使舞台呈现出不同的形状，让观众感受到乡村的变化。同时合唱团能够自然和谐地入场退场，避免造成不必要的干扰。

　　由 David Janošek负责设计剧目演员服装。虽然故事发生在启蒙时期，但设计师并没有完全使用18、 19 世纪厚重的传统民族服装，而是在保留传统服饰精髓的基础上，构思出轻便抽象的演出服。不仅如此，主要角色的服饰还反映着人物的性格特点，例如剧中的反派阿道夫和布尔格雷夫分别穿着黄色和绿色的衣服，颇具喜剧色彩。

　　这部歌剧的演出出乎意料地出色，而人们对它的期望并不高。这是一部连贯、感伤的作品，但却足以保持观众的兴趣，德沃夏克的音乐旋律丰富，让人无法不为之倾倒。此外，观众们还欣赏到了演员们的精彩演唱、舞台的无限活力以及乐队充满活力的演绎。这一切构成了一个精彩的娱乐之夜。